Alcarràs | KinoZmysły | degustacja
reż.Carla Simón|Hiszpania, Włochy|2022
W filmie „Alcarràs” Carli Simón jedzenie ma smak lata, pracy i rodzinnej wspólnoty. Brzoskwinie dojrzewające w sadzie, wspólne posiłki, domowe gotowanie i biesiadowanie przy stole tworzą rytm życia całej wielopokoleniowej rodziny. Jedzenie jest tu także częścią lokalnej tradycji i więzi z ziemią - symbolem pracy kolejnych pokoleń oraz świata, który powoli odchodzi w przeszłość. Reżyserka pokazuje, że utrata sadu oznacza coś więcej niż utratę źródła utrzymania: to zagrożenie dla całego sposobu życia.
Zapraszamy na wyjątkową kulinarną interpretację filmu „Alcarràs”, przygotowaną we współpracy z hiszpańską restauracją Mercado Tapas Bistro, która została wyróżniona w tegorocznym przewodniku Michelin. Filmowa opowieść stanie się inspiracją do spotkania z katalońskimi smakami. Wrześniowe zbiory soczystych, dojrzałych brzoskwiń połączymy z prostotą i wyrazistością kuchni Katalonii. Będzie świeżo, rustykalnie i po hiszpańsku.
W filmie „Alcarràs” Carli Simón jedzenie ma smak lata, pracy i rodzinnej wspólnoty. Brzoskwinie dojrzewające w sadzie, wspólne posiłki, domowe gotowanie i biesiadowanie przy stole tworzą rytm życia całej wielopokoleniowej rodziny. Jedzenie jest tu także częścią lokalnej tradycji i więzi z ziemią - symbolem pracy kolejnych pokoleń oraz świata, który powoli odchodzi w przeszłość. Reżyserka pokazuje, że utrata sadu oznacza coś więcej niż utratę źródła utrzymania: to zagrożenie dla całego sposobu życia.
Zapraszamy na wyjątkową kulinarną interpretację filmu „Alcarràs”, przygotowaną we współpracy z hiszpańską restauracją Mercado Tapas Bistro, która została wyróżniona w tegorocznym przewodniku Michelin. Filmowa opowieść stanie się inspiracją do spotkania z katalońskimi smakami. Wrześniowe zbiory soczystych, dojrzałych brzoskwiń połączymy z prostotą i wyrazistością kuchni Katalonii. Będzie świeżo, rustykalnie i po hiszpańsku.
500 mil
reż. Morgan Matthews | Irlandia, Zjednoczone Królestwo | 2025
500 mil to ciepły, poruszający film drogi laureata BAFT-y Morgana Matthewsa, w którym subtelny humor przeplata się ze wzruszeniem, a historia przywodzi na myśl wrażliwość Billy’ego Elliota i emocjonalną szczerość Był sobie chłopiec.
Nastoletni Finn (Roman Griffin Davis, znany z Jojo Rabbit) i jego młodszy brat Charlie (Dexter Sol Ansell, Rycerz siedmiu królestw) uciekają z domu, by uniknąć rozdzielenia po rozstaniu rodziców. Ich celem jest dzikie zachodnie wybrzeże Irlandii oraz dom ukochanego dziadka Johna (Bill Nighy, To właśnie miłość) – ostatnia bezpieczna przystań w ich rozpadającym się świecie.
Przed nimi 500 mil niełatwej podróży, podczas której muszą polegać na sprycie, uroku osobistym i życzliwości napotkanych ludzi – zwłaszcza wolnej duchem ulicznej muzykantki Cáit (Maisie Williams, Gra o tron).
500 mil to jednak coś więcej niż film drogi. To szczera, pozbawiona fałszywej nuty i głęboko refleksyjna opowieść o rodzinie, nadziei i potrzebie bliskości, która w finale nabiera nowego znaczenia i sprawia, że po seansie wraca się myślami do pierwszych scen.
500 mil to ciepły, poruszający film drogi laureata BAFT-y Morgana Matthewsa, w którym subtelny humor przeplata się ze wzruszeniem, a historia przywodzi na myśl wrażliwość Billy’ego Elliota i emocjonalną szczerość Był sobie chłopiec.
Nastoletni Finn (Roman Griffin Davis, znany z Jojo Rabbit) i jego młodszy brat Charlie (Dexter Sol Ansell, Rycerz siedmiu królestw) uciekają z domu, by uniknąć rozdzielenia po rozstaniu rodziców. Ich celem jest dzikie zachodnie wybrzeże Irlandii oraz dom ukochanego dziadka Johna (Bill Nighy, To właśnie miłość) – ostatnia bezpieczna przystań w ich rozpadającym się świecie.
Przed nimi 500 mil niełatwej podróży, podczas której muszą polegać na sprycie, uroku osobistym i życzliwości napotkanych ludzi – zwłaszcza wolnej duchem ulicznej muzykantki Cáit (Maisie Williams, Gra o tron).
500 mil to jednak coś więcej niż film drogi. To szczera, pozbawiona fałszywej nuty i głęboko refleksyjna opowieść o rodzinie, nadziei i potrzebie bliskości, która w finale nabiera nowego znaczenia i sprawia, że po seansie wraca się myślami do pierwszych scen.
500 mil | FKS
reż. Morgan Matthews | Irlandia, Zjednoczone Królestwo | 2025
Nastoletni Finn i jego młodszy brat Charlie uciekają z domu, by uniknąć rozdzielenia po rozstaniu rodziców. Ich celem jest dzikie zachodnie wybrzeże Irlandii oraz dom ukochanego dziadka Johna – ostatnia bezpieczna przystań w ich rozpadającym się świecie. Przed nimi 500 mil niełatwej podróży, podczas której muszą polegać na sprycie, uroku osobistym i życzliwości napotkanych ludzi.
Nastoletni Finn i jego młodszy brat Charlie uciekają z domu, by uniknąć rozdzielenia po rozstaniu rodziców. Ich celem jest dzikie zachodnie wybrzeże Irlandii oraz dom ukochanego dziadka Johna – ostatnia bezpieczna przystań w ich rozpadającym się świecie. Przed nimi 500 mil niełatwej podróży, podczas której muszą polegać na sprycie, uroku osobistym i życzliwości napotkanych ludzi.
Absolwent | pokaz specjalny
reż. Mike Nichols | USA | 1967
Absolwent college'u, Benjamin Braddock (Dustin Hoffman), nie ma pomysłu na dalsze życie. Jego wkroczenie w dorosłość doskonale wykorzystuje jego sąsiadka, pani Robinson (Anne Bancroft). Romans ze starszą kobietą nie jest dla Bena szczytem marzeń i w dalszym ciągu poszukuje swojej drogi życia. Zbiegiem okoliczności zakochuje się w córce Robinsonów, Elaine (Katharine Ross), a taki obrót sprawy jest całkowicie nie na rękę jej matce.
Absolwent college'u, Benjamin Braddock (Dustin Hoffman), nie ma pomysłu na dalsze życie. Jego wkroczenie w dorosłość doskonale wykorzystuje jego sąsiadka, pani Robinson (Anne Bancroft). Romans ze starszą kobietą nie jest dla Bena szczytem marzeń i w dalszym ciągu poszukuje swojej drogi życia. Zbiegiem okoliczności zakochuje się w córce Robinsonów, Elaine (Katharine Ross), a taki obrót sprawy jest całkowicie nie na rękę jej matce.
Atak potworków | Najlepsze z najgorszych
reż. Michael Stanley | USA | 1985
Krwiożercze pacynki z wielkim apetytem
Rok 1920. Dziewięcioro rozbitków dociera na pozornie bezludną wyspę, licząc na ratunek i możliwość uzupełnienia zapasów. Szybko okazuje się jednak, ze jedna z miejscowych sadzawek jest wypełniona kwasem, a las zamieszkuje plemię malutkich, czerwonych stworzeń przypominających wściekłe pacynki. Potworki są głodne, rozbitkowie wyjątkowo bezradni, a wyspa zdecydowanie nie jest przygotowana na przyjmowanie gości.
„Atak potworków” to niskobudżetowy horror, w którym klasyczna opowieść o rozbitkach zamienia się w krwawy teatr kukiełkowy o atmosferze starej, lekko przeklętej kasety VHS. Bohaterowie podejmują fatalne decyzje, wpadają w panikę z imponującą regularnością, a ich drewniani aktorstwo nadaje każdej scenie dodatkową warstwę niezamierzonego humoru. Absurdalne ataki potworków, prymitywne efekty gore i syntezatorowa muzyka tworzą widowisko równie dziwaczne, co ujmujące. Tytułowe stworzenia są śmieszne, urocze i zaskakująco brutalne, a śmiertelna powaga całej obsady sprawia, że im gorzej robi się na ekranie, tym lepiej bawi się widownia.
Film Michaela Stanleya nakręcono niewielkimi środkami w Connecticut w 1983 roku, choć do dystrybucji trafił dopiero dwa lata później. Przez długi czas pozostawał mało znaną osobliwością kasetowego obiegu, stopniowo zdobywając status mikrokultowego klasyka regionalnego kina grozy. Dziś ceniony jest przede wszystkim za pomysłowość twórców, ręcznie wykonane potworki oraz całkowicie szczerą próbę stworzenia krwawego monster movie bez odpowiedniego budżetu. W 2023 roku American Genre Film Archive przygotowało rekonstrukcję filmu z oryginalnego negatywu 16 mm, przywracając go współczesnemu obiegowi kina kultowego.
Pokaz filmu zostanie poprzedzony prelekcją Jakuba Balcerzaka – prelegenta i moderatora w DKF Politechnika.
CZYM SĄ NAJLEPSZE Z NAJGORSZYCH? To pokazy różnorodnego kina klasy B – od starych, amerykańskich filmów sci-fi z kosmitami i latającymi spodkami wiszącymi na sznurkach, przez przebojowe kino akcji lat 80. z nieskazitelnymi bohaterami w ortalionowych dresach, po horrory z gumowymi potworami.
Niskie budżety, absurdalne dialogi, kiepskie aktorstwo, nielogiczna fabuła, a także zaangażowanie i pasja autorów to tylko niektóre cechy wspólne najgorszych produkcji w historii kinematografii światowej, które prezentowane są na przeglądzie. Filmy Najlepsze z Najgorszych rozbudzają wśród widzów miłość do kina klasy B od 2015 roku. Dotychczas odbyło się kilkaset seansów i wydarzeń w ramach przeglądu. Pomysłodawczynią i programerką cyklu jest Monika Stolat, a organizatorem Nowa Aleksandria.
Więcej: www.najlepszeznajgorszych.pl
Krwiożercze pacynki z wielkim apetytem
Rok 1920. Dziewięcioro rozbitków dociera na pozornie bezludną wyspę, licząc na ratunek i możliwość uzupełnienia zapasów. Szybko okazuje się jednak, ze jedna z miejscowych sadzawek jest wypełniona kwasem, a las zamieszkuje plemię malutkich, czerwonych stworzeń przypominających wściekłe pacynki. Potworki są głodne, rozbitkowie wyjątkowo bezradni, a wyspa zdecydowanie nie jest przygotowana na przyjmowanie gości.
„Atak potworków” to niskobudżetowy horror, w którym klasyczna opowieść o rozbitkach zamienia się w krwawy teatr kukiełkowy o atmosferze starej, lekko przeklętej kasety VHS. Bohaterowie podejmują fatalne decyzje, wpadają w panikę z imponującą regularnością, a ich drewniani aktorstwo nadaje każdej scenie dodatkową warstwę niezamierzonego humoru. Absurdalne ataki potworków, prymitywne efekty gore i syntezatorowa muzyka tworzą widowisko równie dziwaczne, co ujmujące. Tytułowe stworzenia są śmieszne, urocze i zaskakująco brutalne, a śmiertelna powaga całej obsady sprawia, że im gorzej robi się na ekranie, tym lepiej bawi się widownia.
Film Michaela Stanleya nakręcono niewielkimi środkami w Connecticut w 1983 roku, choć do dystrybucji trafił dopiero dwa lata później. Przez długi czas pozostawał mało znaną osobliwością kasetowego obiegu, stopniowo zdobywając status mikrokultowego klasyka regionalnego kina grozy. Dziś ceniony jest przede wszystkim za pomysłowość twórców, ręcznie wykonane potworki oraz całkowicie szczerą próbę stworzenia krwawego monster movie bez odpowiedniego budżetu. W 2023 roku American Genre Film Archive przygotowało rekonstrukcję filmu z oryginalnego negatywu 16 mm, przywracając go współczesnemu obiegowi kina kultowego.
Pokaz filmu zostanie poprzedzony prelekcją Jakuba Balcerzaka – prelegenta i moderatora w DKF Politechnika.
CZYM SĄ NAJLEPSZE Z NAJGORSZYCH? To pokazy różnorodnego kina klasy B – od starych, amerykańskich filmów sci-fi z kosmitami i latającymi spodkami wiszącymi na sznurkach, przez przebojowe kino akcji lat 80. z nieskazitelnymi bohaterami w ortalionowych dresach, po horrory z gumowymi potworami.
Niskie budżety, absurdalne dialogi, kiepskie aktorstwo, nielogiczna fabuła, a także zaangażowanie i pasja autorów to tylko niektóre cechy wspólne najgorszych produkcji w historii kinematografii światowej, które prezentowane są na przeglądzie. Filmy Najlepsze z Najgorszych rozbudzają wśród widzów miłość do kina klasy B od 2015 roku. Dotychczas odbyło się kilkaset seansów i wydarzeń w ramach przeglądu. Pomysłodawczynią i programerką cyklu jest Monika Stolat, a organizatorem Nowa Aleksandria.
Więcej: www.najlepszeznajgorszych.pl
Crash: niebezpieczne pożądanie | DKF
reż. David Cronenberg | Kanada, Wielka Brytania | 1996
Po poważnym wypadku samochodowym producent filmowy James Ballard (James Spader) trafia do środowiska ludzi seksualnie fascynujących się katastrofami drogowymi, bliznami i rozbitym metalem. Wypadki przestają być dla nich tragedią, a stają się obsesją, fetyszem i sposobem na odczuwanie czegokolwiek. Kontrowersyjny film w reż. Davida Cronenberga otrzymał Nagrodę Jury na Festiwalu w Cannes. „Crash” zostanie pokazany w odrestaurowanej wersji 4K.
Po poważnym wypadku samochodowym producent filmowy James Ballard (James Spader) trafia do środowiska ludzi seksualnie fascynujących się katastrofami drogowymi, bliznami i rozbitym metalem. Wypadki przestają być dla nich tragedią, a stają się obsesją, fetyszem i sposobem na odczuwanie czegokolwiek. Kontrowersyjny film w reż. Davida Cronenberga otrzymał Nagrodę Jury na Festiwalu w Cannes. „Crash” zostanie pokazany w odrestaurowanej wersji 4K.
Digger | pokaz przedpremierowy
reż. Alejandro González Iñárritu | USA | 2026
Najpotężniejszy człowiek na świecie wyrusza na desperacką misję, by udowodnić, że jest wybawcą ludzkości zanim katastrofa, którą sam wywołał, zniszczy wszystko.
Najpotężniejszy człowiek na świecie wyrusza na desperacką misję, by udowodnić, że jest wybawcą ludzkości zanim katastrofa, którą sam wywołał, zniszczy wszystko.
Dzień dziecka księdza Jana Kaczkowskiego | FKS
reż. Artur Wierzbicki | Polska | 2026
Ksiądz Jan Kaczkowski – charyzmatyczny duchowny i zwykły błądzący człowiek. Naznaczony nieuleczalną chorobą, samozwańczy „onkocelebryta”, który walczył dla innych o godność i człowieczeństwo. Dzień dziecka – diagnoza choroby, wspomnienia z dzieciństwa, symboliczne narodzenie dla wieczności. Metaforyczny termin, który w filmie koncentruje uwagę na miłość. Na miłości do innych ludzi, chorych i pogubionych, na miłości do rodziny, do ojca i do Boga.
Ksiądz Jan Kaczkowski – charyzmatyczny duchowny i zwykły błądzący człowiek. Naznaczony nieuleczalną chorobą, samozwańczy „onkocelebryta”, który walczył dla innych o godność i człowieczeństwo. Dzień dziecka – diagnoza choroby, wspomnienia z dzieciństwa, symboliczne narodzenie dla wieczności. Metaforyczny termin, który w filmie koncentruje uwagę na miłość. Na miłości do innych ludzi, chorych i pogubionych, na miłości do rodziny, do ojca i do Boga.
Fargo | 10/10 Klasyka filmowa
reż. Ethan Coen, Joel Coen | USA, Wielka Brytania | 1996
Fargo, to jedno z najważniejszych dzieł kina amerykańskiego lat 90. i film, który na trwałe zapisał się w historii kina jako mistrzowskie połączenie kryminału, czarnej komedii i groteski. Akcja rozgrywa się w zaśnieżonej Minnesocie, gdzie pozornie banalne porwanie szybko przeradza się w serię absurdalnych i brutalnych wydarzeń.
Unikalny styl braci Coen: precyzyjnie skonstruowany scenariusz, charakterystyczny humor oparty na kontraście między przemocą a codzienną banalnością oraz wyraziste, zapadające w pamięć postaci. Szczególne miejsce zajmuje kreacja Frances McDormand jako ciężarnej szeryf Marge Gunderson – bohaterki, która dzięki empatii, inteligencji i spokojowi przeciwstawia się chaosowi i ludzkiej chciwości.
Film w przewrotny sposób demitologizuje amerykańskie wyobrażenia o prowincji i „zwykłych ludziach”, pokazując, jak drobne decyzje mogą prowadzić do moralnej katastrofy. Fargo stało się również punktem odniesienia dla współczesnego kina niezależnego, inspirując kolejne pokolenia twórców i widzów, a jego wpływ widoczny jest zarówno w kinie, jak i w późniejszym serialu telewizyjnym.
To klasyka, która łączy formalną perfekcję z ironicznym spojrzeniem na ludzką naturę — film jednocześnie mroczny, zabawny i zaskakująco humanistyczny.
Fargo, to jedno z najważniejszych dzieł kina amerykańskiego lat 90. i film, który na trwałe zapisał się w historii kina jako mistrzowskie połączenie kryminału, czarnej komedii i groteski. Akcja rozgrywa się w zaśnieżonej Minnesocie, gdzie pozornie banalne porwanie szybko przeradza się w serię absurdalnych i brutalnych wydarzeń.
Unikalny styl braci Coen: precyzyjnie skonstruowany scenariusz, charakterystyczny humor oparty na kontraście między przemocą a codzienną banalnością oraz wyraziste, zapadające w pamięć postaci. Szczególne miejsce zajmuje kreacja Frances McDormand jako ciężarnej szeryf Marge Gunderson – bohaterki, która dzięki empatii, inteligencji i spokojowi przeciwstawia się chaosowi i ludzkiej chciwości.
Film w przewrotny sposób demitologizuje amerykańskie wyobrażenia o prowincji i „zwykłych ludziach”, pokazując, jak drobne decyzje mogą prowadzić do moralnej katastrofy. Fargo stało się również punktem odniesienia dla współczesnego kina niezależnego, inspirując kolejne pokolenia twórców i widzów, a jego wpływ widoczny jest zarówno w kinie, jak i w późniejszym serialu telewizyjnym.
To klasyka, która łączy formalną perfekcję z ironicznym spojrzeniem na ludzką naturę — film jednocześnie mroczny, zabawny i zaskakująco humanistyczny.
Głos z księżyca | FEDERICO FELLINI: ciao a tutti!
reż. Federico Fellini | Włochy | 1990
„Głos z księżyca” to ostatni pełnometrażowy film Federica Felliniego i jedno z najważniejszych dzieł jego późnego okresu. Film rozwija krytykę społeczeństwa spektaklu obecną wcześniej w „Ginger i Fred” (1986), ale przenosi ją z poziomu telewizyjnego widowiska na poziom wyobraźni i codzienności. Centralnym symbolem jest tu księżyc, tradycyjnie kojarzony z kobiecością, magią, mistyką i nieuchwytną energią. U Felliniego to ciało niebieskie zostaje jednak „ściągnięte na ziemię” i zamienione w element widowiska oraz politycznej manipulacji. Miasteczko pełne anten i billboardów przypomina przestrzeń, w której telewizja przejęła funkcję nowego bóstwa.
Dwaj bohaterowie, Ivo Salvini (Roberto Benigni) i Gonnella (Paolo Villaggio), funkcjonują jako dwa bieguny świadomości późnego Felliniego. Ivo reprezentuje wrażliwość, niedostosowanie i potrzebę kontaktu z tajemnicą, natomiast Gonnella - lęk, paranoję oraz przekonanie, że rzeczywistość została podporządkowana obcemu, hałaśliwemu systemowi. Włoski mistrz posługuje się groteską, przerysowaną scenografią i kakofoniczną ścieżką dźwiękową, aby pokazać społeczeństwo pozbawione ciszy, pamięci i duchowego wymiaru. „Głos z księżyca” można czytać jako film o kryzysie wyobraźni w kulturze Włoch późnych lat 80., którego „sprawcą” był niewątpliwie budujący swoje imperium medialne Silvio Berlusconi.
„Głos z księżyca” to ostatni pełnometrażowy film Federica Felliniego i jedno z najważniejszych dzieł jego późnego okresu. Film rozwija krytykę społeczeństwa spektaklu obecną wcześniej w „Ginger i Fred” (1986), ale przenosi ją z poziomu telewizyjnego widowiska na poziom wyobraźni i codzienności. Centralnym symbolem jest tu księżyc, tradycyjnie kojarzony z kobiecością, magią, mistyką i nieuchwytną energią. U Felliniego to ciało niebieskie zostaje jednak „ściągnięte na ziemię” i zamienione w element widowiska oraz politycznej manipulacji. Miasteczko pełne anten i billboardów przypomina przestrzeń, w której telewizja przejęła funkcję nowego bóstwa.
Dwaj bohaterowie, Ivo Salvini (Roberto Benigni) i Gonnella (Paolo Villaggio), funkcjonują jako dwa bieguny świadomości późnego Felliniego. Ivo reprezentuje wrażliwość, niedostosowanie i potrzebę kontaktu z tajemnicą, natomiast Gonnella - lęk, paranoję oraz przekonanie, że rzeczywistość została podporządkowana obcemu, hałaśliwemu systemowi. Włoski mistrz posługuje się groteską, przerysowaną scenografią i kakofoniczną ścieżką dźwiękową, aby pokazać społeczeństwo pozbawione ciszy, pamięci i duchowego wymiaru. „Głos z księżyca” można czytać jako film o kryzysie wyobraźni w kulturze Włoch późnych lat 80., którego „sprawcą” był niewątpliwie budujący swoje imperium medialne Silvio Berlusconi.
Gorzkie święta
reż. Pedro Almodóvar | Hiszpania | 2026
Po śmierci matki Elsa, pracująca jako reżyserka reklam, całkowicie oddaje się pracy, próbując w ten sposób poradzić sobie ze stratą. Gdy silne migreny zmuszają ją do zatrzymania się, decyduje się na wyjazd na Lanzarote podczas długiego weekendu z okazji Dnia Konstytucji w 2004 roku. Towarzyszy jej przyjaciółka Patricia, a jej partner Bonifacio, striptizer i strażak, zostaje w Madrycie. W poszukiwaniu twórczego impulsu Elsa zaczyna inspirować się prywatnymi dramatami osób z jej otoczenia, traktując je jako materiał do pracy.
Po śmierci matki Elsa, pracująca jako reżyserka reklam, całkowicie oddaje się pracy, próbując w ten sposób poradzić sobie ze stratą. Gdy silne migreny zmuszają ją do zatrzymania się, decyduje się na wyjazd na Lanzarote podczas długiego weekendu z okazji Dnia Konstytucji w 2004 roku. Towarzyszy jej przyjaciółka Patricia, a jej partner Bonifacio, striptizer i strażak, zostaje w Madrycie. W poszukiwaniu twórczego impulsu Elsa zaczyna inspirować się prywatnymi dramatami osób z jej otoczenia, traktując je jako materiał do pracy.
Gwiazdozbiór Psa
reż.Ridley Scott|USA, Wielka Brytania|2026
Gwiazdozbiór Psa w reżyserii Ridleya Scotta to wciągający thriller osadzony w postapokaliptycznym świecie, gdzie podstawowy instynkt to przetrwanie, a zachowanie człowieczeństwa staje się świadomym wyborem. Film opowiada historię Higa, młodego pilota, który wraz z byłym żołnierzem Bangleyem stworzył uporządkowaną enklawę, odizolowaną od brutalnej rzeczywistości. Ich codzienność zostaje zakłócona, gdy Hig odbiera tajemniczy sygnał radiowy. To nieoczekiwane zdarzenie zmusza go do wyruszenia w nieznane — w podróż w poszukiwaniu nadziei i człowieczeństwa, w które nie przestaje wierzyć.
Film powstał na podstawie cenionej powieści Petera Hellera.
Gwiazdozbiór Psa w reżyserii Ridleya Scotta to wciągający thriller osadzony w postapokaliptycznym świecie, gdzie podstawowy instynkt to przetrwanie, a zachowanie człowieczeństwa staje się świadomym wyborem. Film opowiada historię Higa, młodego pilota, który wraz z byłym żołnierzem Bangleyem stworzył uporządkowaną enklawę, odizolowaną od brutalnej rzeczywistości. Ich codzienność zostaje zakłócona, gdy Hig odbiera tajemniczy sygnał radiowy. To nieoczekiwane zdarzenie zmusza go do wyruszenia w nieznane — w podróż w poszukiwaniu nadziei i człowieczeństwa, w które nie przestaje wierzyć.
Film powstał na podstawie cenionej powieści Petera Hellera.
Hot Spot | DKF
reż. Agnieszka Smoczyńska | Grecja, Polska | 2026
Niedaleka przyszłość. Prywatny detektyw, który prowadzi śledztwo w sprawie morderstwa, trafia na grupę rebeliantów zdolnych podważyć władzę cyfrowego systemu. Im głębiej wnika w sprawę, tym bardziej przekonuje się, że w świecie zarządzanym przez algorytmy nic nie jest tym, czym się wydaje. „Hot Spot” to futurystyczny thriller w reżyserii Agnieszki Smoczyńskiej („Córki dancingu”, „Silent Twins”). W rolach głównych Andrzej Konopka i Noomi Rapace. Film zdobył Specjalne Wyróżnienie Jury na Fantasia International Film Festival w Kanadzie.
Niedaleka przyszłość. Prywatny detektyw, który prowadzi śledztwo w sprawie morderstwa, trafia na grupę rebeliantów zdolnych podważyć władzę cyfrowego systemu. Im głębiej wnika w sprawę, tym bardziej przekonuje się, że w świecie zarządzanym przez algorytmy nic nie jest tym, czym się wydaje. „Hot Spot” to futurystyczny thriller w reżyserii Agnieszki Smoczyńskiej („Córki dancingu”, „Silent Twins”). W rolach głównych Andrzej Konopka i Noomi Rapace. Film zdobył Specjalne Wyróżnienie Jury na Fantasia International Film Festival w Kanadzie.
Kupiłem motocykl, który jest wampirem | Najlepsze z najgorszych
reż. Dirk Campbell | Wielka Brytania | 1990
Ma dwa koła, kły i niepohamowany apetyt na krew
Nick Noddy Oddie, kurier motocyklowy z Birmingham, kupuje za bezcen używanego Nortona Commando i przywraca go do życia – bardziej dosłownie, niż mógł przypuszczać. Maszyna unika światła dziennego, samodzielnie przemierza nocą ulice i wyjątkowo brutalnie rozprawia się z gangiem odpowiedzialnym za śmierć jej poprzedniego właściciela oraz każdym, kto stanie jej na drodze. Gdy liczba ofiar zaczyna rosnąć, Noddy prosi o pomoc policyjnego inspektora oraz księdza gotowego przeprowadzić egzorcyzm. Bo czasami zwykła wizyta u mechanika to za mało.
„Kupiłem motocykl, który jest wampirem” to brytyjska komedia grozy, w której satanistyczny rytuał, gang motocyklistów i wampiryczne prawidła spotykają się z pubowym humorem, praktycznymi efektami gore oraz maszyną uzbrojoną w kolce i uzębiony reflektor. Film z radosną bezczelnością przekracza kolejne granice absurdu, serwując krwawe pościgi, makabryczne gagi i księdza próbującego egzorcyzmować dwukołego demona. Trudno wyobrazić sobie lepszy seans na Halloween: jest demonicznie, obrzydliwie, bezwstydnie głupio i piekielnie zabawnie.
Film Dirka Campbella trafił do brytyjskich kin w 1990 roku, ale początkowo nie odniósł większego sukcesu. Z czasem zdobył jednak status kultowej osobliwości brytyjskiego kina klasy B, a jego kolekcjonerskie wydania pozwoliły odkryć go kolejnym pokoleniom widzów. Jego największą siłą pozostaje świadomie niedorzeczny pomysł, zrealizowany w scenerii ponurego, miejskiego horroru, oraz występy Neila Morrisseya, Michaela Elphicka i Anthony’ego Danielsa jako ekscentrycznego księdza walczącego z motocyklem napędzanym ludzką krwią.
Pokaz filmu zostanie poprzedzony prelekcją Jakuba Balcerzaka – prelegenta i moderatora w DKF Politechnika.
CZYM SĄ NAJLEPSZE Z NAJGORSZYCH? To pokazy różnorodnego kina klasy B – od starych, amerykańskich filmów sci-fi z kosmitami i latającymi spodkami wiszącymi na sznurkach, przez przebojowe kino akcji lat 80. z nieskazitelnymi bohaterami w ortalionowych dresach, po horrory z gumowymi potworami.
Niskie budżety, absurdalne dialogi, kiepskie aktorstwo, nielogiczna fabuła, a także zaangażowanie i pasja autorów to tylko niektóre cechy wspólne najgorszych produkcji w historii kinematografii światowej, które prezentowane są na przeglądzie. Filmy Najlepsze z Najgorszych rozbudzają wśród widzów miłość do kina klasy B od 2015 roku. Dotychczas odbyło się kilkaset seansów i wydarzeń w ramach przeglądu. Pomysłodawczynią i programerką cyklu jest Monika Stolat, a organizatorem Nowa Aleksandria.
Więcej: www.najlepszeznajgorszych.pl
Ma dwa koła, kły i niepohamowany apetyt na krew
Nick Noddy Oddie, kurier motocyklowy z Birmingham, kupuje za bezcen używanego Nortona Commando i przywraca go do życia – bardziej dosłownie, niż mógł przypuszczać. Maszyna unika światła dziennego, samodzielnie przemierza nocą ulice i wyjątkowo brutalnie rozprawia się z gangiem odpowiedzialnym za śmierć jej poprzedniego właściciela oraz każdym, kto stanie jej na drodze. Gdy liczba ofiar zaczyna rosnąć, Noddy prosi o pomoc policyjnego inspektora oraz księdza gotowego przeprowadzić egzorcyzm. Bo czasami zwykła wizyta u mechanika to za mało.
„Kupiłem motocykl, który jest wampirem” to brytyjska komedia grozy, w której satanistyczny rytuał, gang motocyklistów i wampiryczne prawidła spotykają się z pubowym humorem, praktycznymi efektami gore oraz maszyną uzbrojoną w kolce i uzębiony reflektor. Film z radosną bezczelnością przekracza kolejne granice absurdu, serwując krwawe pościgi, makabryczne gagi i księdza próbującego egzorcyzmować dwukołego demona. Trudno wyobrazić sobie lepszy seans na Halloween: jest demonicznie, obrzydliwie, bezwstydnie głupio i piekielnie zabawnie.
Film Dirka Campbella trafił do brytyjskich kin w 1990 roku, ale początkowo nie odniósł większego sukcesu. Z czasem zdobył jednak status kultowej osobliwości brytyjskiego kina klasy B, a jego kolekcjonerskie wydania pozwoliły odkryć go kolejnym pokoleniom widzów. Jego największą siłą pozostaje świadomie niedorzeczny pomysł, zrealizowany w scenerii ponurego, miejskiego horroru, oraz występy Neila Morrisseya, Michaela Elphicka i Anthony’ego Danielsa jako ekscentrycznego księdza walczącego z motocyklem napędzanym ludzką krwią.
Pokaz filmu zostanie poprzedzony prelekcją Jakuba Balcerzaka – prelegenta i moderatora w DKF Politechnika.
CZYM SĄ NAJLEPSZE Z NAJGORSZYCH? To pokazy różnorodnego kina klasy B – od starych, amerykańskich filmów sci-fi z kosmitami i latającymi spodkami wiszącymi na sznurkach, przez przebojowe kino akcji lat 80. z nieskazitelnymi bohaterami w ortalionowych dresach, po horrory z gumowymi potworami.
Niskie budżety, absurdalne dialogi, kiepskie aktorstwo, nielogiczna fabuła, a także zaangażowanie i pasja autorów to tylko niektóre cechy wspólne najgorszych produkcji w historii kinematografii światowej, które prezentowane są na przeglądzie. Filmy Najlepsze z Najgorszych rozbudzają wśród widzów miłość do kina klasy B od 2015 roku. Dotychczas odbyło się kilkaset seansów i wydarzeń w ramach przeglądu. Pomysłodawczynią i programerką cyklu jest Monika Stolat, a organizatorem Nowa Aleksandria.
Więcej: www.najlepszeznajgorszych.pl
Młodsza siostra
reż. Hafsia Herzi | Francja, Niemcy | 2025
Subtelny portret młodej dziewczyny, która wchodzi w dorosłe życie i kształtuje swoją tożsamość.
Za tę znakomitą rolę, debiutantka Nadia Melliti otrzymała nagrodę dla najlepszej żeńskiej roli na festiwalu w Cannes oraz Cezara i Nagrodę Lumière dla najbardziej obiecującej aktorki.
Siedemnastoletnia Fatima (nagrodzana za tę rolę Nadia Melliti) jest najmłodszą z trzech córek francusko-algierskiej rodziny mieszkającej na paryskich przedmieściach. Dziewczyna jest dobrą uczennicą, z zaangażowaniem uprawia sport, ma kochających rodziców. Na pozór więc jej życie to sielanka.
Jej rzeczywistość to jednak ciągłe balansowanie między lojalnością wobec kochającej, ale dość konserwatywnej rodziny, wiarą muzułmańską a rodzącym się w niej pociągiem do kobiet. Fatima obawia się, że to ostatnie dla jej bliskich byłoby to nie do zaakceptowania.
Rejestrując się na portalu randkowym, bohaterka zaczyna eksplorować swoją seksualność, poznawać własne potrzeby, zastanawiać się nad swoją tożsamością, zwłaszcza gdy wchodzi w relację z pielęgniarką Ji-Na (Ji-min Park). Związek przynosi Fatimie zarówno radość, jak i ból, pozwalając jej lepiej zrozumieć siebie.
Subtelny portret młodej dziewczyny, która wchodzi w dorosłe życie i kształtuje swoją tożsamość.
Za tę znakomitą rolę, debiutantka Nadia Melliti otrzymała nagrodę dla najlepszej żeńskiej roli na festiwalu w Cannes oraz Cezara i Nagrodę Lumière dla najbardziej obiecującej aktorki.
Siedemnastoletnia Fatima (nagrodzana za tę rolę Nadia Melliti) jest najmłodszą z trzech córek francusko-algierskiej rodziny mieszkającej na paryskich przedmieściach. Dziewczyna jest dobrą uczennicą, z zaangażowaniem uprawia sport, ma kochających rodziców. Na pozór więc jej życie to sielanka.
Jej rzeczywistość to jednak ciągłe balansowanie między lojalnością wobec kochającej, ale dość konserwatywnej rodziny, wiarą muzułmańską a rodzącym się w niej pociągiem do kobiet. Fatima obawia się, że to ostatnie dla jej bliskich byłoby to nie do zaakceptowania.
Rejestrując się na portalu randkowym, bohaterka zaczyna eksplorować swoją seksualność, poznawać własne potrzeby, zastanawiać się nad swoją tożsamością, zwłaszcza gdy wchodzi w relację z pielęgniarką Ji-Na (Ji-min Park). Związek przynosi Fatimie zarówno radość, jak i ból, pozwalając jej lepiej zrozumieć siebie.
Mother Mary | DKF | QUIZ
reż. David Lowery | USA, Wielka Brytania | 2026
Gwiazda popu, Mother Mary (Anne Hathaway) przygotowuje się do wielkiego powrotu na scenę. Piosenkarka odwiedza dawną przyjaciółkę, projektantkę kostiumów, z którą łączy ją tajemnicza przeszłość. Spotkanie niesie za sobą zaskakujące konsekwencje. „Mother Mary” to hipnotyzujący dramat psychologiczny w reż. Davida Lowery’ego („Ghost Story”, „Zielony Rycerz. Green Knight”) z muzyką Charli XCX. Po pokazie odbędzie się quiz filmowy z nagrodami
Gwiazda popu, Mother Mary (Anne Hathaway) przygotowuje się do wielkiego powrotu na scenę. Piosenkarka odwiedza dawną przyjaciółkę, projektantkę kostiumów, z którą łączy ją tajemnicza przeszłość. Spotkanie niesie za sobą zaskakujące konsekwencje. „Mother Mary” to hipnotyzujący dramat psychologiczny w reż. Davida Lowery’ego („Ghost Story”, „Zielony Rycerz. Green Knight”) z muzyką Charli XCX. Po pokazie odbędzie się quiz filmowy z nagrodami
Nagi Lunch | DKF | spotkanie
reż. David Cronenberg | Japonia, Kanada, Wielka Brytania | 1991
Kafkowska opowieść o dezynsektorze Billu Lee (Peter Weller), który marzy o napisaniu powieści. Pewnego dnia odkrywa, że jego żona odurza się proszkiem do zwalczania karaluchów i postanawia sam tego spróbować. Billy Lee przenosi się do Interstrefy, gdzie wreszcie odnajduje wenę twórczą. Ojciec chrzestny body horrorów, David Cronenberg, zekranizował psychodeliczną powieść Williama S. Burroughsa – pisarza, który słynął z narkotykowych eksperymentów.
Pokazowi towarzyszyć będzie spotkanie z Sebastianem Smolińskim – krytykiem, filmoznawcą, edukatorem i założycielem firmy dystrybucyjnej Past Perfect.
Kafkowska opowieść o dezynsektorze Billu Lee (Peter Weller), który marzy o napisaniu powieści. Pewnego dnia odkrywa, że jego żona odurza się proszkiem do zwalczania karaluchów i postanawia sam tego spróbować. Billy Lee przenosi się do Interstrefy, gdzie wreszcie odnajduje wenę twórczą. Ojciec chrzestny body horrorów, David Cronenberg, zekranizował psychodeliczną powieść Williama S. Burroughsa – pisarza, który słynął z narkotykowych eksperymentów.
Pokazowi towarzyszyć będzie spotkanie z Sebastianem Smolińskim – krytykiem, filmoznawcą, edukatorem i założycielem firmy dystrybucyjnej Past Perfect.
Obcy | FKS
reż. François Ozon | Francja | 2025
Nowa ekranizacja jednej z najwybitniejszych francuskich powieści XX wieku autorstwa Alberta Camusa, opublikowanej w 1942 roku. François Ozon opowiada historię Meursaulta, skromnego, niepozornego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Do czasu, gdy pewnego gorącego dnia na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia.
Nowa ekranizacja jednej z najwybitniejszych francuskich powieści XX wieku autorstwa Alberta Camusa, opublikowanej w 1942 roku. François Ozon opowiada historię Meursaulta, skromnego, niepozornego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Do czasu, gdy pewnego gorącego dnia na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia.
Odyseja
reż. Christopher Nolan | USA, Wielka Brytania | 2026
Christopher Nolan, który nakręcił takie filmy jak "Interstellar" oraz "Oppenheimer" jest znany z tego, że nie boi się żadnego gatunku filmowego. Po świetnie przyjętym i nagrodzonym 7 Oscarami® "Oppenheimerze" opowiadajacym historię powstania pierwszej bomby atomowej, teraz reżyser pracuje nad adaptacją "Odysei".
To opowieść autorstwa Homera uznawana za jedno z najważniejszych dzieł literatury zachodniej. Opowiada o podróży Odyseusza, króla Itaki, który musi stawić czoła licznym wyzwaniom próbując wrócić do domu po wojnie trojańskiej. Powstała już niejedna ekranizacja klasycznego dzieła Homera, ale tym razem film nakręcony zostanie w technologii IMAX i będzie pierwszym tak nowoczesnym podejściem do "Odysei".
W filmie "Odysei" zobaczymy między innymi: Matta Damona, Toma Hollanda, Anne Hathaway, Zendayę, Roberta Pattinsona, Lupite Nyong'o oraz Charlize Theron.
Christopher Nolan, który nakręcił takie filmy jak "Interstellar" oraz "Oppenheimer" jest znany z tego, że nie boi się żadnego gatunku filmowego. Po świetnie przyjętym i nagrodzonym 7 Oscarami® "Oppenheimerze" opowiadajacym historię powstania pierwszej bomby atomowej, teraz reżyser pracuje nad adaptacją "Odysei".
To opowieść autorstwa Homera uznawana za jedno z najważniejszych dzieł literatury zachodniej. Opowiada o podróży Odyseusza, króla Itaki, który musi stawić czoła licznym wyzwaniom próbując wrócić do domu po wojnie trojańskiej. Powstała już niejedna ekranizacja klasycznego dzieła Homera, ale tym razem film nakręcony zostanie w technologii IMAX i będzie pierwszym tak nowoczesnym podejściem do "Odysei".
W filmie "Odysei" zobaczymy między innymi: Matta Damona, Toma Hollanda, Anne Hathaway, Zendayę, Roberta Pattinsona, Lupite Nyong'o oraz Charlize Theron.
Ojczyzna | pokaz w Pałacu Goszcz
reż. Paweł Pawlikowski | Polska, Niemcy, Włochy, Francja | 2026
Zapraszamy na wyjątkową projekcję najnowszego filmu Pawła Pawlikowskiego – laureata Oscara® i twórcy „Idy” oraz „Zimnej wojny” – w niezwykłej scenerii poewangelickiego kościoła na terenie pałacu Goszcz.
To właśnie tam realizowane były zdjęcia do finałowej sceny „Ojczyzny”. Film, uhonorowany nagrodą za reżyserię na Festiwalu Filmowym w Cannes, jest koprodukcją Dolnośląskiego Centrum Filmowego, a jego zdjęcia w zdecydowanej większości powstały na Dolnym Śląsku – m.in. w Legnicy, Wałbrzychu, Ludwikowicach Kłodzkich, Malczycach, Unisławiu Śląskim, Pieńsku, Goszczu i Kliczkowie.
Przed seansem, o 17:00, zapraszamy na oprowadzanie po założeniu pałacowym w Goszczu. To okazja, by poznać historię i architekturę tego miejsca. Projekcja „Ojczyzny” rozpocznie się o 19:00.
Bilet w cenie 40 zł obejmuje oprowadzanie i projekcję filmu. Jeśli chcesz uczestniczyć tylko w seansie, wybierz bilet za 25 zł.
„Ojczyzna” opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. W szczytowym okresie zimnej wojny ojciec i córka wyruszają w podróż przez powojenne Niemcy. Powrót Manna do ojczyzny staje się okazją do opowieści o rodzinie, emigracji, pamięci i trudnych wyborach.
W rolach głównych zobaczymy nominowaną do Oscara® Sandrę Hüller („Strefa interesów”, „Anatomia upadku”) oraz Hannsa Zischlera („Monachium”). Scenariusz napisali Paweł Pawlikowski i Henk Handloegten, za zdjęcia odpowiada Łukasz Żal, za kostiumy Aleksandra Staszko, a za scenografię Katarzyna Sobańska i Marcel Sławiński.
Zapraszamy na wyjątkową projekcję najnowszego filmu Pawła Pawlikowskiego – laureata Oscara® i twórcy „Idy” oraz „Zimnej wojny” – w niezwykłej scenerii poewangelickiego kościoła na terenie pałacu Goszcz.
To właśnie tam realizowane były zdjęcia do finałowej sceny „Ojczyzny”. Film, uhonorowany nagrodą za reżyserię na Festiwalu Filmowym w Cannes, jest koprodukcją Dolnośląskiego Centrum Filmowego, a jego zdjęcia w zdecydowanej większości powstały na Dolnym Śląsku – m.in. w Legnicy, Wałbrzychu, Ludwikowicach Kłodzkich, Malczycach, Unisławiu Śląskim, Pieńsku, Goszczu i Kliczkowie.
Przed seansem, o 17:00, zapraszamy na oprowadzanie po założeniu pałacowym w Goszczu. To okazja, by poznać historię i architekturę tego miejsca. Projekcja „Ojczyzny” rozpocznie się o 19:00.
Bilet w cenie 40 zł obejmuje oprowadzanie i projekcję filmu. Jeśli chcesz uczestniczyć tylko w seansie, wybierz bilet za 25 zł.
„Ojczyzna” opowiada o relacji między Thomasem Mannem (Hanns Zischler), laureatem Nagrody Nobla w dziedzinie literatury, a jego córką Eriką (Sandra Hüller) – aktorką i pisarką. W szczytowym okresie zimnej wojny ojciec i córka wyruszają w podróż przez powojenne Niemcy. Powrót Manna do ojczyzny staje się okazją do opowieści o rodzinie, emigracji, pamięci i trudnych wyborach.
W rolach głównych zobaczymy nominowaną do Oscara® Sandrę Hüller („Strefa interesów”, „Anatomia upadku”) oraz Hannsa Zischlera („Monachium”). Scenariusz napisali Paweł Pawlikowski i Henk Handloegten, za zdjęcia odpowiada Łukasz Żal, za kostiumy Aleksandra Staszko, a za scenografię Katarzyna Sobańska i Marcel Sławiński.
Róża | pokaz przedpremierowy
reż. Markus Schleinzer | Austria, Niemcy | 2026
Na początku XVII wieku do odizolowanej protestanckiej wioski przybywa tajemniczy żołnierz (Sandra Hüller). Mieszkańcy patrzą na niego z podejrzliwością, lecz z czasem – dzięki ciężkiej pracy i nienagannej pobożności – zdobywa ich zaufanie i staje się częścią wspólnoty. Pod męską maską i spodniami kryje się jednak kobieta, która – sprzeciwiając się swojemu społecznemu przeznaczeniu – przyjęła rolę mężczyzny, by zyskać wolność i niezależność.
Na początku XVII wieku do odizolowanej protestanckiej wioski przybywa tajemniczy żołnierz (Sandra Hüller). Mieszkańcy patrzą na niego z podejrzliwością, lecz z czasem – dzięki ciężkiej pracy i nienagannej pobożności – zdobywa ich zaufanie i staje się częścią wspólnoty. Pod męską maską i spodniami kryje się jednak kobieta, która – sprzeciwiając się swojemu społecznemu przeznaczeniu – przyjęła rolę mężczyzny, by zyskać wolność i niezależność.
Seksmisja po ślōnsku | pokaz specjalny
reż. Juliusz Machulski | Polska | 1984
Aktorzy Dariusz Chojnacki i Michał Żurawski dubbingują na żywo, w języku śląskim, kultową “Seksmisję” (1983) Juliusza Machulskiego. Autorem tłumaczenie na język śląski jest Grzegorz Kulik, autor śląskich przekładów Szczepana Twardocha, Zbigniewa Rokity czy J.R.R. Tolkiena.
Kultowy film Juliusza Machulskiego. W 1991 roku Albert i Maks dobrowolnie poddaja się hibernacji. Kiedy budzą się w 2044 roku, nie poznają świata i rzeczywistości wokół, a od opiekującej się nimi doktor Lamii dowiadują się, że w czasie ich snu wybuchła na Ziemi wojna nuklearna. Jednym z jej efektów było całkowite zniszczenie genów męskich, w związku z czy, są obecnie prawdopodobnie jedynymi mężczyznami na planecie. Czy bohaterom uda się uratować siebie i ocalić męski gatunek od wyginięcia...?
Aktorzy Dariusz Chojnacki i Michał Żurawski dubbingują na żywo, w języku śląskim, kultową “Seksmisję” (1983) Juliusza Machulskiego. Autorem tłumaczenie na język śląski jest Grzegorz Kulik, autor śląskich przekładów Szczepana Twardocha, Zbigniewa Rokity czy J.R.R. Tolkiena.
Kultowy film Juliusza Machulskiego. W 1991 roku Albert i Maks dobrowolnie poddaja się hibernacji. Kiedy budzą się w 2044 roku, nie poznają świata i rzeczywistości wokół, a od opiekującej się nimi doktor Lamii dowiadują się, że w czasie ich snu wybuchła na Ziemi wojna nuklearna. Jednym z jej efektów było całkowite zniszczenie genów męskich, w związku z czy, są obecnie prawdopodobnie jedynymi mężczyznami na planecie. Czy bohaterom uda się uratować siebie i ocalić męski gatunek od wyginięcia...?
Stowarzyszenie Umarłych Poetów | 10/10 Klasyka filmowa
reż. Peter Weir | USA | 1989
Jeden z najbardziej poruszających filmów o młodości, edukacji i sile niezależnego myślenia. Akcja rozgrywa się w konserwatywnej elitarnej szkole dla chłopców, gdzie pojawienie się nauczyciela literatury, Johna Keatinga, staje się impulsem do intelektualnego i emocjonalnego przebudzenia uczniów.
Stowarzyszenie umarłych poetów przeciwstawia skostniały system edukacji idei wolności, kreatywności i odwagi w poszukiwaniu własnego głosu. Hasło „Carpe diem” stało się jednym z najbardziej rozpoznawalnych motywów w historii kina, symbolizując bunt przeciw konformizmowi i lękowi przed samodzielnym wyborem drogi życiowej.
Film Petera Weira łączy klasyczną narrację z emocjonalną szczerością, tworząc opowieść ponadczasową i wciąż aktualną. Jego wpływ widoczny jest zarówno w kinie, jak i w kulturze popularnej — jako punkt odniesienia dla historii o nauczycielach, mentorach i młodych ludziach konfrontujących się z autorytetem.
To klasyka, która nie traci swojej siły wraz z upływem lat — wzruszająca, inspirująca i przypominająca o odpowiedzialności za własne życie i wybory.
Jeden z najbardziej poruszających filmów o młodości, edukacji i sile niezależnego myślenia. Akcja rozgrywa się w konserwatywnej elitarnej szkole dla chłopców, gdzie pojawienie się nauczyciela literatury, Johna Keatinga, staje się impulsem do intelektualnego i emocjonalnego przebudzenia uczniów.
Stowarzyszenie umarłych poetów przeciwstawia skostniały system edukacji idei wolności, kreatywności i odwagi w poszukiwaniu własnego głosu. Hasło „Carpe diem” stało się jednym z najbardziej rozpoznawalnych motywów w historii kina, symbolizując bunt przeciw konformizmowi i lękowi przed samodzielnym wyborem drogi życiowej.
Film Petera Weira łączy klasyczną narrację z emocjonalną szczerością, tworząc opowieść ponadczasową i wciąż aktualną. Jego wpływ widoczny jest zarówno w kinie, jak i w kulturze popularnej — jako punkt odniesienia dla historii o nauczycielach, mentorach i młodych ludziach konfrontujących się z autorytetem.
To klasyka, która nie traci swojej siły wraz z upływem lat — wzruszająca, inspirująca i przypominająca o odpowiedzialności za własne życie i wybory.
Tony
reż. Matt Johnson | USA | 2026
Upalne lato 1976 roku. Młody, marzący o karierze pisarza, ambitny student Tony (Dominic Sessa), by podreperować budżet, trafia na zmywak do restauracji serwującej owoce morza, prowadzonej przez surowego szefa kuchni (Antonio Banderas). W intensywnej, chaotycznej, momentami brutalnej, a jednocześnie niezwykle kreatywnej atmosferze odkrywa swoją życiową pasję – tę samą, która uczyni go jednym z najwybitniejszych szefów kuchni swojego pokolenia.
Upalne lato 1976 roku. Młody, marzący o karierze pisarza, ambitny student Tony (Dominic Sessa), by podreperować budżet, trafia na zmywak do restauracji serwującej owoce morza, prowadzonej przez surowego szefa kuchni (Antonio Banderas). W intensywnej, chaotycznej, momentami brutalnej, a jednocześnie niezwykle kreatywnej atmosferze odkrywa swoją życiową pasję – tę samą, która uczyni go jednym z najwybitniejszych szefów kuchni swojego pokolenia.
Tony | FKS
reż. Matt Johnson | USA | 2026
Anthony Bourdain – buntownik, głos pokolenia, jeden z najbardziej znanych szefów kuchni i jedna z najbardziej charyzmatycznych osobowości telewizyjnych. Podróżnik, pisarz, odkrywca, którego miliony ludzi na całym świecie pokochały za bezkompromisowy styl, miłość do życia, szacunek do ludzi, odwagę, ciekawość świata i autentyczność. „Tony” to historia początków jego drogi – kim był, zanim stał się Anthonym Bourdainem.
Anthony Bourdain – buntownik, głos pokolenia, jeden z najbardziej znanych szefów kuchni i jedna z najbardziej charyzmatycznych osobowości telewizyjnych. Podróżnik, pisarz, odkrywca, którego miliony ludzi na całym świecie pokochały za bezkompromisowy styl, miłość do życia, szacunek do ludzi, odwagę, ciekawość świata i autentyczność. „Tony” to historia początków jego drogi – kim był, zanim stał się Anthonym Bourdainem.
Uwierz w ducha | 10/10 Klasyka filmowa
reż. Jerry Zucker | USA | 1990
Jeden z najbardziej rozpoznawalnych melodramatów przełomu lat 80. i 90., który w wyjątkowy sposób łączy kino romantyczne z elementami thrillera i nadprzyrodzonej fantazji. Historia miłości Sama i Molly, przerwanej tragiczną śmiercią, staje się opowieścią o sile uczuć przekraczających granice życia i śmierci.
Kreacje Patricka Swayze, Demi Moore i nagrodzonej Oscarem Whoopi Goldberg nadały historii wiarygodność i lekkość, a słynna scena przy kole garncarskim oraz muzyka Unchained Melody stały się symbolami filmowego romantyzmu
„Uwierz w ducha” trafiło do masowej wyobraźni dzięki umiejętnemu balansowaniu między wzruszeniem, humorem i napięciem. Film zapoczątkował modę na łączenie melodramatu z fantastyką w kinie popularnym i udowodnił, że kino gatunkowe może opowiadać historie głęboko emocjonalne, nie tracąc przy tym swojej przystępności.
To klasyka kina popularnego — poruszająca, romantyczna i ponadczasowa opowieść o miłości, pamięci i potrzebie bliskości.
Jeden z najbardziej rozpoznawalnych melodramatów przełomu lat 80. i 90., który w wyjątkowy sposób łączy kino romantyczne z elementami thrillera i nadprzyrodzonej fantazji. Historia miłości Sama i Molly, przerwanej tragiczną śmiercią, staje się opowieścią o sile uczuć przekraczających granice życia i śmierci.
Kreacje Patricka Swayze, Demi Moore i nagrodzonej Oscarem Whoopi Goldberg nadały historii wiarygodność i lekkość, a słynna scena przy kole garncarskim oraz muzyka Unchained Melody stały się symbolami filmowego romantyzmu
„Uwierz w ducha” trafiło do masowej wyobraźni dzięki umiejętnemu balansowaniu między wzruszeniem, humorem i napięciem. Film zapoczątkował modę na łączenie melodramatu z fantastyką w kinie popularnym i udowodnił, że kino gatunkowe może opowiadać historie głęboko emocjonalne, nie tracąc przy tym swojej przystępności.
To klasyka kina popularnego — poruszająca, romantyczna i ponadczasowa opowieść o miłości, pamięci i potrzebie bliskości.
Vivaldi i ja
reż. Damiano Michieletto | Francja, Włochy | 2025
Nowy film producentów „Wielkiego piękna” i „Młodości”. Barwna, porywająca, wypełniona muzyką opowieść o jednym z najwybitniejszych kompozytorów w historii – Antonio Vivaldim.
Wenecja, początek XVIII wieku — miasto kontrastów. Z jednej strony bogactwo, sztuka i swoboda obyczajowa, z drugiej surowe instytucje religijne i wyraźne podziały społeczne. Przebywająca w sierocińcu Ospedale della Pietà nastoletnia utalentowana skrzypaczka Cecilia (Tecla Insolia) trafia pod skrzydła nowego nauczyciela – Antonio Vivaldiego (Michele Riondino). Otoczona jego opieką zaczyna wierzyć, że uda jej się uniknąć zaaranżowanego małżeństwa i zawalczyć o własną drogę.
Nowy film producentów „Wielkiego piękna” i „Młodości”. Barwna, porywająca, wypełniona muzyką opowieść o jednym z najwybitniejszych kompozytorów w historii – Antonio Vivaldim.
Wenecja, początek XVIII wieku — miasto kontrastów. Z jednej strony bogactwo, sztuka i swoboda obyczajowa, z drugiej surowe instytucje religijne i wyraźne podziały społeczne. Przebywająca w sierocińcu Ospedale della Pietà nastoletnia utalentowana skrzypaczka Cecilia (Tecla Insolia) trafia pod skrzydła nowego nauczyciela – Antonio Vivaldiego (Michele Riondino). Otoczona jego opieką zaczyna wierzyć, że uda jej się uniknąć zaaranżowanego małżeństwa i zawalczyć o własną drogę.
Wszystko ma żyć | KinoUkraïna
reż.Tetiana Dorodnitsyna|Polska,Ukraina|2024
Kiedy cały świat wokół niej pogrąża się w ciemności, Anna, najsilniejsza kobieta na świecie, decyduje się pozostać na Ukrainie, aby ratować najbardziej bezbronnych – zwierzęta. Swoim bezinteresownym podejściem i optymizmem zaraża szybko lokalną społeczność, a dzięki sile mediów społecznościowych dociera daleko poza granice Ukrainy.
Po seansie spotkanie z Wojciechem Tochmanem. Rozmowę prowadzi Anna Ursulenko.
Kiedy cały świat wokół niej pogrąża się w ciemności, Anna, najsilniejsza kobieta na świecie, decyduje się pozostać na Ukrainie, aby ratować najbardziej bezbronnych – zwierzęta. Swoim bezinteresownym podejściem i optymizmem zaraża szybko lokalną społeczność, a dzięki sile mediów społecznościowych dociera daleko poza granice Ukrainy.
Po seansie spotkanie z Wojciechem Tochmanem. Rozmowę prowadzi Anna Ursulenko.
Zaproszenie
reź. Olivia Wilde | USA | 2026
Joe i Angela są małżeństwem z kilkunastoletnim stażem. Z pozoru ich związek wydaje się wręcz wzorcowy: zgodne, spokojne życie w porządnej dzielnicy, udane dziecko, niezły status materialny. Jednak pod powierzchnią kryją się wzajemne pretensje, drobne konflikty, a przede wszystkim nuda i rutyna. Gdy pewnego wieczoru Joe i Angela zapraszają na kolację parę tajemniczych sąsiadów, swobodna i przyjacielska rozmowa zaczyna zmieniać się w pełną dwuznaczności grę. To, co dotąd skrywane, wychodzi na jaw, a niewypowiedziane pragnienia ducha i ciała zaczynają nabierać niebezpiecznie realnych kształtów. Czy obie pary pójdą dziś spać we własnych łóżkach?
Joe i Angela są małżeństwem z kilkunastoletnim stażem. Z pozoru ich związek wydaje się wręcz wzorcowy: zgodne, spokojne życie w porządnej dzielnicy, udane dziecko, niezły status materialny. Jednak pod powierzchnią kryją się wzajemne pretensje, drobne konflikty, a przede wszystkim nuda i rutyna. Gdy pewnego wieczoru Joe i Angela zapraszają na kolację parę tajemniczych sąsiadów, swobodna i przyjacielska rozmowa zaczyna zmieniać się w pełną dwuznaczności grę. To, co dotąd skrywane, wychodzi na jaw, a niewypowiedziane pragnienia ducha i ciała zaczynają nabierać niebezpiecznie realnych kształtów. Czy obie pary pójdą dziś spać we własnych łóżkach?